Portrait au marqueur à encre intense

Portrait au marqueur aux couleurs denses | Transformer une personne réelle en œuvre d’art captivante

Tâche de création

En utilisant la photo téléversée par l’utilisateur comme référence unique du personnage, créez un portrait au marqueur doté d’une sensibilité artistique contemporaine.

Conservez l’identité, l’expression, la posture et la reconnaissabilité de la personne sur la photo, mais réorganisez complètement les couleurs, les coups de pinceau et l’espace pictural. Il ne s’agit pas d’appliquer un filtre de peinture à la photo, mais plutôt de redessiner cet instant, comme le ferait un peintre observateur et humoristique, après avoir vu cette personne, à l’aide de quelques marqueurs à pointe large aux couleurs riches.

L’image doit être audacieuse, dense, détendue et porter des traces artisanales distinctes. Au premier coup d’œil, on est attiré par les grandes masses de couleur ; au deuxième, on reconnaît la personne de la photo ; au troisième, on découvre un texte manuscrit légèrement drôle à côté d’elle.

I. Direction artistique

L’organisation des couleurs et des formes s’inspire des relations de couleurs pures distinctes, des silhouettes de personnages simplifiées et du rythme entre les masses de couleur et les espaces négatifs dans les œuvres de découpage de papier d’Henri Matisse. Traduisez ces inspirations en dessins au marqueur, plutôt qu’en collages de découpages de papier. (Galerie Tate)

Le texte et l’humour s’inspirent des dessins concis, des courtes phrases manuscrites et des observations sur l’absurdité de la vie quotidienne dans les œuvres de David Shrigley. Empruntez uniquement cette relation humoristique entre le texte et l’image ; cette création doit être plus chaleureuse, sans adopter un ton sombre ou cynique, ni copier ses œuvres ou ses phrases spécifiques. (NGV)

Unifiez le tout dans un langage visuel clair : couleurs denses, traits larges, formes simplifiées, expressions authentiques, quelques notes manuscrites marginales.

Ne mélangez pas mécaniquement plusieurs styles de peinture. Le personnage n’est pas un rôle fixe d’un certain artiste et doit rester la personne de la photo.

II. Reconnaître d’abord la personne, puis la simplifier

Avant de dessiner, identifiez d’abord les caractéristiques les plus reconnaissables de la photo : le contour du visage, la coiffure et la ligne de cheveux, la relation entre les yeux, la position du nez et de la bouche, l’angle de la tête, la direction des épaules, la posture, ainsi que les vêtements ou accessoires mémorables.

Organisez l’image autour de ces caractéristiques, plutôt que de dépeindre tous les détails de manière uniforme.

Conservez la sensation d’âge originale du personnage, les relations de profondeur des tons de peau, la présentation de genre et les caractéristiques corporelles. Conservez les grains de beauté, les taches de rousseur, les lunettes, la barbe et un petit nombre de lignes faciales qui aident à identifier l’identité.

Conservez strictement l’expression et la logique de mouvement d’origine : les yeux fermés ne doivent pas être ouverts, la bouche fermée ne doit pas devenir un sourire aux dents, un profil ne doit pas devenir une face de trois quarts, et une vue de dos ne doit pas avoir un visage ajouté sans autorisation. La direction dans laquelle les cheveux s’éparpillent et l’inclinaison du corps doivent se poursuivre depuis l’image d’origine.

Vous pouvez simplifier les détails anatomiques, mais ne devez pas remodeler le personnage en un autre visage par embellissement, amincissement du visage, agrandissement des yeux ou réduction du nez.

L’humour provient principalement du texte et de l’observation, pas du fait de dessiner le personnage de manière laide.

III. Médium : Marqueurs à pigments opaques et épais

Définissez le médium de dessin comme des marqueurs à pigments opaques, avec une texture proche des marqueurs acryliques, en utilisant une pointe large et plate pour poser les couleurs, une pointe moyenne pour établir les formes, et enfin un petit nombre de stylos fins pour terminer les détails nécessaires et le texte.

Les grandes masses de couleur doivent être pleines, solides et avoir un sentiment de couverture, mais sans accumulation tridimensionnelle comme avec la peinture à l’huile.

Laissez voir comment le stylo passe sur la surface du papier : les bandes laissées par les balayages larges, les coins légèrement rigides lors des tournants, les coutures des superpositions répétées, les bords inégaux là où les traits se terminent, et les petites lacunes formées par quelques pointes de stylo qui sautent la texture du papier.

La plupart des surfaces colorées restent intactes, ne montrant ces traces que localement. Ne remplacez pas les coups de pinceau réels par un bruit granuleux réparti sur toute l’image.

Dessinez d’abord les masses de couleur, puis ajoutez un petit nombre de lignes. N’utilisez pas de lignes noires uniformes pour contourner tous les contours d’abord, puis les remplir comme dans un livre de coloriage.

Autorisez la couverture locale, le léger décalage et les frontières non entièrement fermées. Conservez le processus de dessin, plutôt que de polir chaque trait à la perfection.

IV. Établir les personnages avec de grandes masses de couleur

Résumez les cheveux, le visage, le cou, le haut, les bras et les accessoires nécessaires en quelques formes lourdes. La relation entre les formes est plus importante que les textures fines.

Le visage est principalement composé d’une surface de ton de peau de base, de deux ou trois blocs de couleur structurels et d’un petit nombre de traits des traits du visage. Supprimez les pores, les micro-textures de la photo, les reflets fins et les dégradés complexes de lumière et d’ombre, mais conservez la structure faciale qui soutient la reconnaissance de l’identité.

Les yeux sont réalisés avec un petit nombre de traits courts et des points de couleur sombre, et la direction du regard doit être précise. Ne les dessinez pas uniformément comme de grands yeux ronds, et n’ajoutez pas de reflets exagérés ni de cils.

Les sourcils sont dessinés avec des traits courts de différentes épaisseurs, conservant leur direction et leur distance d’origine.

Le nez peut être principalement suggéré par un bloc de couleur chaude et un ou deux traits sombres, sans modélisation tridimensionnelle précise.

La bouche conserve son état d’ouverture/fermeture d’origine, la direction des coins et l’émotion. Dessinez les dents uniquement si l’image d’origine montre effectivement des dents, et résumez-les en formes simples.

Pour les cheveux, dessinez d’abord le contour général, puis ajoutez un petit nombre de traits qui expliquent la direction. Pour les cheveux foncés, des blocs de couleur brun foncé, bleu encre ou presque noirs peuvent être utilisés ; les cheveux clairs ou gris-blanc conservent leur reconnaissabilité et ne sont pas uniformément changés en cheveux bruns. Les mèches importantes peuvent ressembler à des lignes fines dessinées soudainement, détendant les bords du personnage.

Les vêtements conservent le style, le col, la superposition et les relations de couleur clés. Les plis ne laissent que quelques traits nécessaires pour expliquer la posture.

Lorsque le geste est le point focal de la photo, l’action doit être conservée ; lorsque la main n’est pas le point focal, les détails peuvent être réduits, mais la position ne doit pas être modifiée arbitrairement.

V. Couleur : Épaisse, pas terne ; Vive, pas bruyante

Abandonnez les réglages uniformes de pastel clair, de ton de peau crème et de fond bleu pâle du prompt d’origine.

Basé sur les vêtements, le ton de la peau et l’émotion de la photo, sélectionnez une palette de couleurs limitée mais puissante. Utilisez généralement quatre à six couleurs principales, avec une couleur dominante pour établir l’atmosphère générale, une couleur contrastante pour créer de la tension, puis une petite quantité de couleur d’accent pour illuminer l’image.

Les couleurs candidates incluent le bleu cobalt, l’outremer, le vermillon, le rouge tomate, le jaune ocre, le vert d’herbe foncé, le vert paon, le violet aubergine, le rouge vin et le blanc ivoire chaud. Sélectionnez seulement quelques-unes adaptées à chaque peinture, sans mettre toutes les couleurs en même temps.

Laissez de grandes zones de couleur participer réellement à la composition, au lieu de simplement peindre le fond de manière vive tandis que le personnage conserve un réalisme photographique.

Le ton de la peau permet une traduction artistique ; des surfaces de couleur telles que l’ocre, la terre cuite, l’abricot ou le brun chaud peuvent être utilisées, et des couleurs froides qui répondent au fond peuvent être introduites localement. Conservez les caractéristiques de profondeur ou de clarté du ton de peau du personnage d’origine, sans le blanchir uniformément, et sans couper le visage en fragments d’arc-en-ciel désordonnés.

Utilisez la différence de chaleur/fraîcheur et de luminosité des blocs de couleur adjacents pour établir le volume, sans dépendre de dégradés flous, d’ombres à l’aérographe ou d’effets d’éclairage cinématographiques.

VI. Composition et fond

Extrayez les personnages principaux en fonction de l’image d’origine, en supprimant les passants non liés, les objets divers et les environnements complexes. S’il s’agit d’une photo de groupe sans personnages principaux ou secondaires évidents, conservez la relation entre les personnages clés et ne supprimez aucun d’eux arbitrairement.

Par défaut, poursuivez l’orientation horizontale ou verticale et les actions clés de l’image d’origine. Des recadrages, des agrandissements et des ajustements modérés de la position du sujet principal sont autorisés, mais les actions de corps entier significatives ne doivent pas être uniformément recadrées en portraits de tête.

Adoptez une composition détendue mais précise. Le personnage peut être légèrement décentré d’un côté pour laisser une place naturelle au texte ; ne le centrez pas mécaniquement pour la symétrie.

Le fond est composé d’un bloc de couleur dominante ou de deux grandes zones de couleur, avec une petite quantité de surface de papier blanc chaud autorisée. Créez l’espace par les relations entre les bords des blocs de couleur, les contours du personnage et l’espace vide, sans recréer l’environnement photographique complet.

Conservez un objet uniquement s’il constitue directement l’humour de la photo ou les traits du personnage, comme un gobelet dans la main, un chapeau emporté par le vent ou un animal de compagnie dans les bras. Peignez-le également comme un bloc de couleur simple.

N’ajoutez pas de plantes, d’étoiles, de cœurs, d’autocollants ou de décorations géométriques sans but. Ce dont l’image a besoin, c’est de sélection et d’omission, pas d’être surchargée d’éléments de design.

VII. Texte manuscrit : Comme si le peintre regardait cette personne et ne pouvait s’empêcher d’écrire une ligne

Comprenez d’abord les actions, les expressions, les vêtements ou les objets visiblement présents dans la photo, puis créez des courtes phrases humoristiques correspondantes.

Le texte doit donner l’impression : « Cette phrase n’a été pensée qu’après avoir vu cette photo. »

Adoptez de légers contrastes, des blagues au sérieux, de petites plaintes personnifiées, ou de petites absurdités de la vie quotidienne. N’énoncez pas directement ce qui est dans la photo, et n’utilisez pas de bouillons de motivation ou de slogans populaires sans rapport avec l’image.

Principalement en anglais, une courte phrase en chinois peut être ajoutée si nécessaire ; la traduction bilingue phrase par phrase n’est pas nécessaire. La phrase principale doit être contrôlée entre trois et huit mots anglais, et une petite note marginale supplémentaire d’un à trois mots peut être ajoutée. À l’exception de la date, le texte peut former au maximum deux groupes.

Ce qui suit ne démontre que le mécanisme de l’humour, ce n’est pas un texte fixe, n’écrivez pas tout dans l’image :

Lorsque les cheveux sont manifestement en désordre, vous pouvez écrire :
« MY HAIR HAS OTHER PLANS. »
Lorsque le personnage tient sérieusement un petit gobelet de boisson, vous pouvez écrire :
« SMALL CUP. BIG RESPONSIBILITIES. »
Lorsque le personnage regarde clairement au loin, dans une posture absente, vous pouvez écrire :
« CURRENTLY BETWEEN THOUGHTS. »
Il doit être réévalué et créé en fonction de la photo réelle. N’utilisez pas ces phrases s’il n’y a pas d’indices visuels correspondants, et n’ajoutez pas de props aux personnages juste pour correspondre aux phrases.

L’humour cible la situation, sans déprécier l’apparence ou l’identité du personnage. Lorsque l’atmosphère de la photo est solennelle, faites le texte plus léger et plus subtil, sans forcer un punchline.

Le texte doit ressembler à une écriture manuscrite : les traits ont des variations de pression, les lettres varient légèrement en taille, la ligne de base ondule légèrement, et l’espacement est naturellement inégal, mais l’orthographe est correcte et clairement lisible.

Utilisez un stylo sombre pour écrire sur les zones claires, ou un stylo à pigment blanc chaud pour écrire sur les zones sombres. Le texte partage la même texture artisanale que le personnage, contrairement aux polices d’ordinateur superposées en post-production.

Il peut y avoir un soulignement court dessiné à la main ou une petite flèche qui pointe réellement vers quelque chose. Ne laissez pas cela devenir une page pleine de graffitis.

VIII. Signature horodatée

Après avoir terminé la peinture et les notes marginales, laissez la date de création réelle en écriture manuscrite plus petite et plus légère dans le coin inférieur droit ou l’espace vide sous l’image.

La date utilise le format AAAA.MM.JJ ; lorsque l’heure spécifique peut être confirmée, le format AAAA.MM.JJ · HH:mm peut être adopté.

Utilisez la date et l’heure vérifiables lors de la génération de l’œuvre, en donnant la priorité au respect du fuseau horaire spécifié par l’utilisateur. Lorsque l’heure et les minutes ne peuvent pas être confirmées, écrivez seulement la date, sans inventer une heure précise. N’imposez pas la date de génération comme date de prise de vue de la photo, et ne dessinez pas directement les placeholders de format dans l’œuvre.

La signature est comme un trait laissé par le peintre après avoir terminé, séparant sa hiérarchie du texte principal. N’ajoutez pas de signatures d’artistes fictives, de logos de marque ou de filigranes.

IX. Contrôle final

Évitez les textures photographiques réalistes, les peintures à l’huile semi-réalistes IA, les dégradés doux à l’aérographe, les taches d’aquarelle transparente, les couleurs pastel bonbon, la peau plastique, les grands yeux d’anime, les cartoons tridimensionnels, les contours vectoriels, les contours noirs sur toute la surface, et les textures de cheveux et de tissu excessivement détaillées.

Évitez également l’autre extrême : ne comprenez pas « l’art » comme une destruction aléatoire des traits du visage, « l’artisanat » comme du désordre sale, ou « l’humour » comme un empilement de blagues.

L’image finale doit ressembler à une œuvre de portrait au marqueur qui peut être accrochée dans une petite galerie : de loin, les blocs de couleur sont distincts et ordonnés ; de près, les coups de pinceau ont des pauses, des superpositions et une touche humaine ; en regardant à nouveau, le personnage est toujours la personne de la photo, et une petite ligne de texte à côté donne soudain de la personnalité à tout l’instant.

Dessinez moins de détails non liés, donnez plus de poids aux couleurs, et peignez la personne pour qu’elle se ressemble davantage.

Portrait au marqueur aux couleurs denses | Transformer une personne réelle en œuvre d’art captivante

Tâche de création

En utilisant la photo téléversée par l’utilisateur comme référence unique du personnage, créez un portrait au marqueur doté d’une sensibilité artistique contemporaine.

Conservez l’identité, l’expression, la posture et la reconnaissabilité de la personne sur la photo, mais réorganisez complètement les couleurs, les coups de pinceau et l’espace pictural. Il ne s’agit pas d’appliquer un filtre de peinture à la photo, mais plutôt de redessiner cet instant, comme le ferait un peintre observateur et humoristique, après avoir vu cette personne, à l’aide de quelques marqueurs à pointe large aux couleurs riches.

L’image doit être audacieuse, dense, détendue et porter des traces artisanales distinctes. Au premier coup d’œil, on est attiré par les grandes masses de couleur ; au deuxième, on reconnaît la personne de la photo ; au troisième, on découvre un texte manuscrit légèrement drôle à côté d’elle.

I. Direction artistique

L’organisation des couleurs et des formes s’inspire des relations de couleurs pures distinctes, des silhouettes de personnages simplifiées et du rythme entre les masses de couleur et les espaces négatifs dans les œuvres de découpage de papier d’Henri Matisse. Traduisez ces inspirations en dessins au marqueur, plutôt qu’en collages de découpages de papier. (Galerie Tate)

Le texte et l’humour s’inspirent des dessins concis, des courtes phrases manuscrites et des observations sur l’absurdité de la vie quotidienne dans les œuvres de David Shrigley. Empruntez uniquement cette relation humoristique entre le texte et l’image ; cette création doit être plus chaleureuse, sans adopter un ton sombre ou cynique, ni copier ses œuvres ou ses phrases spécifiques. (NGV)

Unifiez le tout dans un langage visuel clair : couleurs denses, traits larges, formes simplifiées, expressions authentiques, quelques notes manuscrites marginales.

Ne mélangez pas mécaniquement plusieurs styles de peinture. Le personnage n’est pas un rôle fixe d’un certain artiste et doit rester la personne de la photo.

II. Reconnaître d’abord la personne, puis la simplifier

Avant de dessiner, identifiez d’abord les caractéristiques les plus reconnaissables de la photo : le contour du visage, la coiffure et la ligne de cheveux, la relation entre les yeux, la position du nez et de la bouche, l’angle de la tête, la direction des épaules, la posture, ainsi que les vêtements ou accessoires mémorables.

Organisez l’image autour de ces caractéristiques, plutôt que de dépeindre tous les détails de manière uniforme.

Conservez la sensation d’âge originale du personnage, les relations de profondeur des tons de peau, la présentation de genre et les caractéristiques corporelles. Conservez les grains de beauté, les taches de rousseur, les lunettes, la barbe et un petit nombre de lignes faciales qui aident à identifier l’identité.

Conservez strictement l’expression et la logique de mouvement d’origine : les yeux fermés ne doivent pas être ouverts, la bouche fermée ne doit pas devenir un sourire aux dents, un profil ne doit pas devenir une face de trois quarts, et une vue de dos ne doit pas avoir un visage ajouté sans autorisation. La direction dans laquelle les cheveux s’éparpillent et l’inclinaison du corps doivent se poursuivre depuis l’image d’origine.

Vous pouvez simplifier les détails anatomiques, mais ne devez pas remodeler le personnage en un autre visage par embellissement, amincissement du visage, agrandissement des yeux ou réduction du nez.

L’humour provient principalement du texte et de l’observation, pas du fait de dessiner le personnage de manière laide.

III. Médium : Marqueurs à pigments opaques et épais

Définissez le médium de dessin comme des marqueurs à pigments opaques, avec une texture proche des marqueurs acryliques, en utilisant une pointe large et plate pour poser les couleurs, une pointe moyenne pour établir les formes, et enfin un petit nombre de stylos fins pour terminer les détails nécessaires et le texte.

Les grandes masses de couleur doivent être pleines, solides et avoir un sentiment de couverture, mais sans accumulation tridimensionnelle comme avec la peinture à l’huile.

Laissez voir comment le stylo passe sur la surface du papier : les bandes laissées par les balayages larges, les coins légèrement rigides lors des tournants, les coutures des superpositions répétées, les bords inégaux là où les traits se terminent, et les petites lacunes formées par quelques pointes de stylo qui sautent la texture du papier.

La plupart des surfaces colorées restent intactes, ne montrant ces traces que localement. Ne remplacez pas les coups de pinceau réels par un bruit granuleux réparti sur toute l’image.

Dessinez d’abord les masses de couleur, puis ajoutez un petit nombre de lignes. N’utilisez pas de lignes noires uniformes pour contourner tous les contours d’abord, puis les remplir comme dans un livre de coloriage.

Autorisez la couverture locale, le léger décalage et les frontières non entièrement fermées. Conservez le processus de dessin, plutôt que de polir chaque trait à la perfection.

IV. Établir les personnages avec de grandes masses de couleur

Résumez les cheveux, le visage, le cou, le haut, les bras et les accessoires nécessaires en quelques formes lourdes. La relation entre les formes est plus importante que les textures fines.

Le visage est principalement composé d’une surface de ton de peau de base, de deux ou trois blocs de couleur structurels et d’un petit nombre de traits des traits du visage. Supprimez les pores, les micro-textures de la photo, les reflets fins et les dégradés complexes de lumière et d’ombre, mais conservez la structure faciale qui soutient la reconnaissance de l’identité.

Les yeux sont réalisés avec un petit nombre de traits courts et des points de couleur sombre, et la direction du regard doit être précise. Ne les dessinez pas uniformément comme de grands yeux ronds, et n’ajoutez pas de reflets exagérés ni de cils.

Les sourcils sont dessinés avec des traits courts de différentes épaisseurs, conservant leur direction et leur distance d’origine.

Le nez peut être principalement suggéré par un bloc de couleur chaude et un ou deux traits sombres, sans modélisation tridimensionnelle précise.

La bouche conserve son état d’ouverture/fermeture d’origine, la direction des coins et l’émotion. Dessinez les dents uniquement si l’image d’origine montre effectivement des dents, et résumez-les en formes simples.

Pour les cheveux, dessinez d’abord le contour général, puis ajoutez un petit nombre de traits qui expliquent la direction. Pour les cheveux foncés, des blocs de couleur brun foncé, bleu encre ou presque noirs peuvent être utilisés ; les cheveux clairs ou gris-blanc conservent leur reconnaissabilité et ne sont pas uniformément changés en cheveux bruns. Les mèches importantes peuvent ressembler à des lignes fines dessinées soudainement, détendant les bords du personnage.

Les vêtements conservent le style, le col, la superposition et les relations de couleur clés. Les plis ne laissent que quelques traits nécessaires pour expliquer la posture.

Lorsque le geste est le point focal de la photo, l’action doit être conservée ; lorsque la main n’est pas le point focal, les détails peuvent être réduits, mais la position ne doit pas être modifiée arbitrairement.

V. Couleur : Épaisse, pas terne ; Vive, pas bruyante

Abandonnez les réglages uniformes de pastel clair, de ton de peau crème et de fond bleu pâle du prompt d’origine.

Basé sur les vêtements, le ton de la peau et l’émotion de la photo, sélectionnez une palette de couleurs limitée mais puissante. Utilisez généralement quatre à six couleurs principales, avec une couleur dominante pour établir l’atmosphère générale, une couleur contrastante pour créer de la tension, puis une petite quantité de couleur d’accent pour illuminer l’image.

Les couleurs candidates incluent le bleu cobalt, l’outremer, le vermillon, le rouge tomate, le jaune ocre, le vert d’herbe foncé, le vert paon, le violet aubergine, le rouge vin et le blanc ivoire chaud. Sélectionnez seulement quelques-unes adaptées à chaque peinture, sans mettre toutes les couleurs en même temps.

Laissez de grandes zones de couleur participer réellement à la composition, au lieu de simplement peindre le fond de manière vive tandis que le personnage conserve un réalisme photographique.

Le ton de la peau permet une traduction artistique ; des surfaces de couleur telles que l’ocre, la terre cuite, l’abricot ou le brun chaud peuvent être utilisées, et des couleurs froides qui répondent au fond peuvent être introduites localement. Conservez les caractéristiques de profondeur ou de clarté du ton de peau du personnage d’origine, sans le blanchir uniformément, et sans couper le visage en fragments d’arc-en-ciel désordonnés.

Utilisez la différence de chaleur/fraîcheur et de luminosité des blocs de couleur adjacents pour établir le volume, sans dépendre de dégradés flous, d’ombres à l’aérographe ou d’effets d’éclairage cinématographiques.

VI. Composition et fond

Extrayez les personnages principaux en fonction de l’image d’origine, en supprimant les passants non liés, les objets divers et les environnements complexes. S’il s’agit d’une photo de groupe sans personnages principaux ou secondaires évidents, conservez la relation entre les personnages clés et ne supprimez aucun d’eux arbitrairement.

Par défaut, poursuivez l’orientation horizontale ou verticale et les actions clés de l’image d’origine. Des recadrages, des agrandissements et des ajustements modérés de la position du sujet principal sont autorisés, mais les actions de corps entier significatives ne doivent pas être uniformément recadrées en portraits de tête.

Adoptez une composition détendue mais précise. Le personnage peut être légèrement décentré d’un côté pour laisser une place naturelle au texte ; ne le centrez pas mécaniquement pour la symétrie.

Le fond est composé d’un bloc de couleur dominante ou de deux grandes zones de couleur, avec une petite quantité de surface de papier blanc chaud autorisée. Créez l’espace par les relations entre les bords des blocs de couleur, les contours du personnage et l’espace vide, sans recréer l’environnement photographique complet.

Conservez un objet uniquement s’il constitue directement l’humour de la photo ou les traits du personnage, comme un gobelet dans la main, un chapeau emporté par le vent ou un animal de compagnie dans les bras. Peignez-le également comme un bloc de couleur simple.

N’ajoutez pas de plantes, d’étoiles, de cœurs, d’autocollants ou de décorations géométriques sans but. Ce dont l’image a besoin, c’est de sélection et d’omission, pas d’être surchargée d’éléments de design.

VII. Texte manuscrit : Comme si le peintre regardait cette personne et ne pouvait s’empêcher d’écrire une ligne

Comprenez d’abord les actions, les expressions, les vêtements ou les objets visiblement présents dans la photo, puis créez des courtes phrases humoristiques correspondantes.

Le texte doit donner l’impression : « Cette phrase n’a été pensée qu’après avoir vu cette photo. »

Adoptez de légers contrastes, des blagues au sérieux, de petites plaintes personnifiées, ou de petites absurdités de la vie quotidienne. N’énoncez pas directement ce qui est dans la photo, et n’utilisez pas de bouillons de motivation ou de slogans populaires sans rapport avec l’image.

Principalement en anglais, une courte phrase en chinois peut être ajoutée si nécessaire ; la traduction bilingue phrase par phrase n’est pas nécessaire. La phrase principale doit être contrôlée entre trois et huit mots anglais, et une petite note marginale supplémentaire d’un à trois mots peut être ajoutée. À l’exception de la date, le texte peut former au maximum deux groupes.

Ce qui suit ne démontre que le mécanisme de l’humour, ce n’est pas un texte fixe, n’écrivez pas tout dans l’image :

Lorsque les cheveux sont manifestement en désordre, vous pouvez écrire :
« MY HAIR HAS OTHER PLANS. »
Lorsque le personnage tient sérieusement un petit gobelet de boisson, vous pouvez écrire :
« SMALL CUP. BIG RESPONSIBILITIES. »
Lorsque le personnage regarde clairement au loin, dans une posture absente, vous pouvez écrire :
« CURRENTLY BETWEEN THOUGHTS. »
Il doit être réévalué et créé en fonction de la photo réelle. N’utilisez pas ces phrases s’il n’y a pas d’indices visuels correspondants, et n’ajoutez pas de props aux personnages juste pour correspondre aux phrases.

L’humour cible la situation, sans déprécier l’apparence ou l’identité du personnage. Lorsque l’atmosphère de la photo est solennelle, faites le texte plus léger et plus subtil, sans forcer un punchline.

Le texte doit ressembler à une écriture manuscrite : les traits ont des variations de pression, les lettres varient légèrement en taille, la ligne de base ondule légèrement, et l’espacement est naturellement inégal, mais l’orthographe est correcte et clairement lisible.

Utilisez un stylo sombre pour écrire sur les zones claires, ou un stylo à pigment blanc chaud pour écrire sur les zones sombres. Le texte partage la même texture artisanale que le personnage, contrairement aux polices d’ordinateur superposées en post-production.

Il peut y avoir un soulignement court dessiné à la main ou une petite flèche qui pointe réellement vers quelque chose. Ne laissez pas cela devenir une page pleine de graffitis.

VIII. Signature horodatée

Après avoir terminé la peinture et les notes marginales, laissez la date de création réelle en écriture manuscrite plus petite et plus légère dans le coin inférieur droit ou l’espace vide sous l’image.

La date utilise le format AAAA.MM.JJ ; lorsque l’heure spécifique peut être confirmée, le format AAAA.MM.JJ · HH:mm peut être adopté.

Utilisez la date et l’heure vérifiables lors de la génération de l’œuvre, en donnant la priorité au respect du fuseau horaire spécifié par l’utilisateur. Lorsque l’heure et les minutes ne peuvent pas être confirmées, écrivez seulement la date, sans inventer une heure précise. N’imposez pas la date de génération comme date de prise de vue de la photo, et ne dessinez pas directement les placeholders de format dans l’œuvre.

La signature est comme un trait laissé par le peintre après avoir terminé, séparant sa hiérarchie du texte principal. N’ajoutez pas de signatures d’artistes fictives, de logos de marque ou de filigranes.

IX. Contrôle final

Évitez les textures photographiques réalistes, les peintures à l’huile semi-réalistes IA, les dégradés doux à l’aérographe, les taches d’aquarelle transparente, les couleurs pastel bonbon, la peau plastique, les grands yeux d’anime, les cartoons tridimensionnels, les contours vectoriels, les contours noirs sur toute la surface, et les textures de cheveux et de tissu excessivement détaillées.

Évitez également l’autre extrême : ne comprenez pas « l’art » comme une destruction aléatoire des traits du visage, « l’artisanat » comme du désordre sale, ou « l’humour » comme un empilement de blagues.

L’image finale doit ressembler à une œuvre de portrait au marqueur qui peut être accrochée dans une petite galerie : de loin, les blocs de couleur sont distincts et ordonnés ; de près, les coups de pinceau ont des pauses, des superpositions et une touche humaine ; en regardant à nouveau, le personnage est toujours la personne de la photo, et une petite ligne de texte à côté donne soudain de la personnalité à tout l’instant.

Dessinez moins de détails non liés, donnez plus de poids aux couleurs, et peignez la personne pour qu’elle se ressemble davantage.